TIRANO BANDERAS

Joaquín Cosío y Susi Sánchez

Dentro del proyecto Dos Orillas que ha iniciado el Teatro Español en colaboración con instituciones publicas y privadas de latinoamerica, se enmarca esta adaptación que hace Flavio González Mello de Tirano Banderas de Valle-Inclán, y que se encarga de dirigir Oriol Broggi. La historia, situada en la región inventada de Santa Fe de Tierra Firme, cuenta la caída del dictador Santos Banderas, un general despótico y cruel que se mantiene en el poder gracias al terror y la opresión que ejerce sobre la población. La obra nos describe el comportamiento de este tirano y como surge un movimiento revolucionario que acabara derrocandole. 

Vanesa Maja y Rafa Cruz

La puesta en escena juega con muy pocos elementos escenográficos, una mesa, unas sillas una barandilla y unos escalones, todo ello va apareciendo y desapareciendo según convenga apenas oculto por una sabana que actúa a modo de telón, y que permite cambios de ubicación sencillas y efectivas (recuerda a la puesta en escena Cyrano de Bergerac que disfrutamos en el Centro Dramático Nacional, y que también dirigió Oriol Broggi). Apenas nueve actores se desdoblan en multitud de personajes, mezclando diversos acentos que armonizan perfectamente. 

Pedro Casablanc

La adaptación que tiene un fuerte carga onírica, empieza anticipando lo que sera la revolución que acabara con el tirano, y a partir de ahí nos va sumergiendo en el paisaje que conforman unos hombres y mujeres atemorizados por los cambios de humor del típico dictador paternalista y caprichoso (lo mismo fusila a los revolucionarios que los perdona), que es tan temido como odiado, todo con un ritmo trepidante, especialmente en la primera parte, con momentos estelares como la huida del coronel de la Gándara y Veguilla cuando vienen a detenerles, la segunda resulta mas sosegada con diálogos mas largos entre los personajes. Fantástico el vestuario y la iluminación, también muy apropiada la ambientación sonora. 

Joaquín Cosío

En cuanto a los actores, hacen un trabajo impresionante, no paran un momento, pasando de un personaje al siguiente casi sin pausa, solo Emilio Echevarría representa el mismo personaje durante toda la obra, el dictador Tirano Banderas, que al menos el día que yo fui, tuvo al menos dos despistes con el texto. Pedro Casablanc impresionante en el papel de ministro español, Joaquín Cosío emociona en el papel del indio Zacarias, Susi Sánzhez fantástica en todos los personajes que encarna, Vanesa Maja estupenda como Lupita, y Rafa Cruz maravilloso como Nachito Veguilla lo mismo que Emilio Buale, y Mauricio Minetti siempre impecables. 

Elenco completo de la obra

Una buena experiencia de colaboración que esperemos que siga dando buenos frutos.

EL REY TUERTO

Miki Esparbé y Alain Hernández

El rey tuerto nos cuenta el reencuentro de dos amigas que fueron amigas en la infancia. Lidia (Betsy Túrnez), actualmente en paro, que ocupa su tiempo haciendo cursillos (fotografía, danza del vientre, nueva cocina...) y que vive en un barrio del extrarradio con David (Alain Hernández), un portero de discoteca reconvertido en mosso d'esquadra de la brigada móvil, o como el prefiere definirlo en "especialista en gestión de masas". Sandra (Ruth Llopis), es la amiga que "desapareció" cuando se fue a la universidad, una joven con mucha conciencia social que no se sabe muy bien a que se dedica, y su pareja Ignasi (Miki Esparbé) que se dedica ha hacer documentales sociales financiados por su padre. El problema que hace que la cena acabe siendo un desastre es que David es el antidisturbio que dejo tuerto a Ignasi con una bola de goma en una manifestación. Todas las escenas están acompañadas por un curioso personaje, un político, perfectamente trajeado (Xesc Cabot), que nos va bombardeando constantemente con el discurso de los recortes, la austeridad y los gastos por encima de nuestras posibilidades que continuamente nos llegan desde los medios de comunicación y que hace que el ambiente sea mas agobiante. 

Elenco completo de la obra en la escena de la cena

Pero en el rey tuerto no solo hay critica social y reflexión política, también hay problemas de pareja, en definitivamente es un reflejo de la sociedad en la que estamos inmersos. La obra se narra en clave de comedia (comedia negra por supuesto), siempre con buen ritmo, sin dar tregua, con un texto ácido e incisivo que no deja de plantearnos interrogante, y nos obliga en todo momento a reflexionar sobre lo que estamos viendo, y sobre nuestra postura ante lo que esta pasando, es una obra que te sigue después de salir de la sala, sobre todo gracias al gran final en el que David se dirige directamente al patio de butacas, porque si nos pasamos la vida observando ¿no deberíamos tener las respuestas?. 

Los cinco actores están fantásticos, especialmente me parece impresionante el trabajo de Alain Hernández, que esta que se sale. 

Una obra de teatro con mayúsculas, imprescindible en estos tiempos que nos ha tocado vivir, que no dejara indiferente a nadie, en definitiva una fantástica reflexión, llena de interrogantes a los que tendremos que ir dando respuestas cada uno de nosotros.

USTEDES PERDONEN

En la Casa de la Portera siempre nos sorprenden con propuestas originales, en esta ocasión con "ustedes perdonen" nos ofrecen una serie de piezas escritas por Salva Bolta (que también se encarga de la dirección), donde podemos observar a una serie de personajes disparatados y bastante desequilibrados que disfrutan del mal. Son piezas independientes pero con una linea argumental, donde pequeños relatos de la vida cotidiana nos muestran personalidades trastornadas, que se saltan a la torera lo políticamente correcto, para impactarnos. Los cuatro protagonistas encargados de dar vida a los alocados personajes son Natalie Pinot, Ángel Burgos, Rocío Marín y Juanan Lumbreras, impresionantes todos, muy divertidos, maravillosas todas las piezas, impactante la primera pieza con el hombre atropellado por el tranvía tirado en el suelo, impagable la pieza del velatorio y sin duda de shock el último monologo de Juanan Lumbreras (me fascina este actor). 

Definitivamente siempre es una gran experiencia acudir a La Casa de la Portera, nunca te deja indiferente. 

LOS HIJOS DE KENNEDY

Enma Suarez, Álex García, Ariadna Gil Fernando Cayo y Maribel Verdú

Con motivo del 50º aniversario del asesinato de John Fitzgerald Kennedy el productor Pedro Larrañaga recupera la obra "los hijos de Kennedy", obra teatral cuya acción transcurre en 1974, y que nos llega de la mano de cinco personajes, doce años después del asesinato de Kennedy. 

Ariadna Gil, Álex García y Fernando Cayo

Los cinco personajes hijos de aquella época son: una hippy de Woodstock que se pasa la vida luchando por los derechos civiles, un actor gay cuyo sueño es actuar en Broadway y que hace teatro undergraund, un soldado de Vietnam que regresa a casa con todos los miedos y pesadillas propias del que ha vivido una guerra, una secretaria que idolatra al matrimonio presidencial y una aspirante a actriz obsesionada con ser la nueva Marilyn Monroe. 

Ariadna Gil

La función nos sitúa en cinco bares distintos, que se solapan, donde habitan estos personajes que nos invitan a su particular recorrido por los sesenta, la época de la guerra del Vietnam, del movimiento gay, de la contracultura, de los derechos civiles, del bloqueo a Cuba, de la crisis de los misiles, del mundo hippy con su "haz el amor y no la guerra"..., una época donde todo parecía posible. Pero una vez pasado todo, lo que encontramos es a un grupo de seres humanos rotos y frustrados, que lo único que hacen es intentar sobrevivir con lo mínimo, pasando las tardes en un bar solos, hablando consigo mismos y repasando sus vidas. 

Con una escenografía fantástica que representa un bar, una pantalla al fondo donde se proyectan algunas imágenes de la época, al hilo de lo que nos van narrando, y una impecable iluminación disfrutamos de los cinco monologas que van entrelazando los cinco protagonistas. 

Maribel Verdú

Los cinco excelentes actores que dan vida a los personajes son: Fernando Cayo (Sparger), que caricaturiza magistralmente a un actor gay y transgresor que vive la incertidumbre del teatro independiente, perdón "undergraund" de Nueva York, Enma Suarez (Wanda) que encarna a una secretaria totalmente impactada por el asesinato de Kennedy, presidente al que admira, y que esta maravillosa en esa especie de inocencia eterna, Aridna Gil (Rona), que entre copa y copa nos acerca al nacimiento del mundo hippy con sus luchas por un mundo mejor, la experimentación con las drogas y sus frustraciones, nos deja uno de los monólogos mas bellos de la obra, Maribel Verdú (Carla) que se obsesiona por su físico y acaba frustrada cuando no consigue el éxito y se encuentra con que todos la utilizan pero nadie se interesa por ella como persona, y por último Álex García (Mark), el soldado que vuelve de la guerra de Vietnam  con muchos traumas y sin acabar de entender el sentido de la guerra. 

Los cinco están fantásticos, con momentos divertidos, pero sobre todo con una visión cínica del que ya esta de vuelta de todo. El texto muy melancólico deja al descubierto todas las heridas abiertas que dejo una época llena de ilusiones que pareció que iba a cambiar el mundo. 

Enma Suarez y Fernando Cayo

Merece la pena darse un paseo por el teatro Cofidis  para disfrutar de este delicioso repaso a un tiempo del que se pueden aprender muchas cosas que seguramente nos sirvan para enfrentarnos a estos complicados tiempos en los que nos ha tocado vivir. 

TODO ES FARSA EN ESTE MUNDO

Ana Fernández, María Pastor, Fernando Conde y Sonsoles Benedicto

Se trata de la primera dramatización de la Compañía Nacional de Teatro Clásico en esta temporada. "Todo es farsa en este mundo" es una obra de Manuel Bretón de los Herreros, que nos acerca Ángel Fernández Montesinos, es una comedia llena de agudezas, que nos muestra las peripecias de una joven a la que van a casar con un joven al que no quiere, y los enredos de su tía para buscarla un candidato mas de su agrado. Sin embargo mas allá de la anécdota de la boda, la obra nos habla de una sociedad llena de tramposos, farsantes y mentirosos cuyo único objetivo en medrar a cualquier precio, que cambian de chaqueta siempre que es necesario para conseguir una mejor posición social, , mediante el matrimonio, o mediante negocios poco claros, y siempre pendientes del cargo conseguido en un ministerio o de un cese administrativo. A medida que la obra avanza nos preguntamos ¿esta escrita ahora?, porque sin duda refleja muy bien la sociedad en la que estamos viviendo ahora. 

Como siempre en estas dramatizaciones, los actores libreto en mano, en un escenario semivacio, nos acercan a textos poco conocidos, pero que resultan muy interesantes. 

En cuanto al elenco en esta ocasión podemos disfrutar de Fernando Conde (Don Rufo), magnifico como siempre con esa maravillosa voz que tan bien sabe modular, Ana Fernández (Doña Vicenta) impresionante en el papel de la tía rica, María Pastor (Pilar) llena de candor e inocencia, Raúl Fernández de Pablo (Don Evaristo) impecable en el papel del joven candidato, que sabe darle el toque pícaro que requiere su personaje, Alejandro Navamuel (Don Faustino) muy divertido, tan cándido al principio, y Sonsoles Benedicto (Doña Eustoquia) siempre maravillosa en todo lo que hace. 

Elenco completo de la obra

En resumen siempre es una buena experiencia disfrutar de estas dramatizaciones que nos hacen darnos cuenta de donde venimos, y saber porque estamos donde estamos.

PK2.0 Que Dios nos pille confesados

En el teatro Alcázar, bueno ahora el teatro Cofidis, se puede disfrutar de Dani Mateo en una función en la que nos ayuda a prepararnos, por si el fin del mundo, se precipita sobre nosotros sin avisar. El espectáculo estaba anunciado para las 23, pero al final comenzó casi a las 23:30 (no se muy bien porque), pero la espera fue compensada con el monologo que pudimos disfrutar. 

La obra primero repasa varias religiones, con sus pros y sus contras, para que no nos falten opciones, y acaba haciendo un divertido repaso de los siete pecados capitales, gula, avaricia, envidia, pereza, soberbia, ira y lujuria, así si hace mucho que no nos confesamos, podemos salir con el tema resuelto, por si nos asalta un cataclismo repentino, todo ello regado de comentarios ácidos, sobre el mundo en el que nos ha tocado vivir. El paso por cada uno de los pecados es ingenioso y divertido, y Dani Mateo se mueve como pez en el agua por el monologo, manteniendo siempre el ritmo del espectáculo. 

Definitivamente un espectáculo divertido, con buen ritmo y que te deja un buen sabor de boca, porque de vez en cuando hay que reírse un poco de uno mismo.

EL CABALLERO DE OLMEDO

Javier Veiga y Marta Hazas

Obra de Lope de Vega escrita en 1620, que se basa en un hecho real muy popular que acabo convirtiéndose en leyenda, y que ahora se representa en el teatro Fernán Gómez después de pasar por varios festivales de verano. Eduardo Galán firma la adaptación del texto centrándose en la trama amorosa, cosa que ya de entrada deja un poco coja la obra. 

La escenografía es sencilla un gran telón en el fondo y unos escalones por los que transitan los actores, unas lanzas y varias cabezas de toro que los actores se ponen cuando no están interviniendo en la escena. La iluminación resulta excesiva, supongo que abusan del color rojo para que seamos conscientes del drama que se avecina, pero acaba resultando agoviante, en cuanto a la música, tampoco han conseguido acertar, resulta en muchos momentos desagradable. 

La puesta en escena tampoco esta muy lograda, resulta un poco excesivo tener a todos los actores moviéndose continuamente por el escenario cambiando las lanzas de sitio, o haciendo alguna especie de danza que no se sabe muy bien a que viene o repitiendo hasta la saciedad "que de noche le mataron al caballero / la gala de Medina, la flor de Olmedo". 

En cuanto al verso tiene luces y sombras, muchas mas sombras que luces, se recita en muchas ocasiones de forma acelerada, y en otras casi sin respirar, sin darle las pausas y el ritmo que necesita. 

Enrique Arce (Tello)

De los actores para mi el mejor es Enrique Arce (Tello), bien en el verso y muy bien en su papel del gracioso, Javier Veiga (Don Alonso) también se salva, aunque en algunos momentos se acelera con el texto, correcta también Encarna Gómez (Fabia), José Manuel Seda (Don Rodrigo) y Alejandro Navamuel (Don Fernando) bastante justitos. Marta Hazas (Doña Inés) y Andrea Soto (Doña Leonor) muy sosas y con el verso cogido muy con alfileres, y Jordi Soler (Don Pedro) para mi totalmente fuera del papel. 

Una pena por que a priori prometía mas de lo que al final ha resultado, claro que tampoco en el patio de butacas el ambiente fue muy bueno, ya sin contar los numerosos móviles que sonaron (menos mal que siempre recuerdan que hay que apagarlos), una pena que la gente no sea capaz de asistir a una representación teatral, concienciada de no hacer los comentarios sobre la obra, antes de salir de la sala.

NADA TRAS LA PUERTA

Una escena de Nada tras la puerta

Se trata de una obra que habla de las fronteras, en una parte, de el escenario, Juan Cavestany, con su final de partido, se encarga de que observemos a tres amigos que que ven un partido de fútbol ajenos a lo que pasa fuera, apenas interesados en los detalles morbosos de la vida de alguno de los jugadores, el fútbol como opio del pueblo, como el medio para ser feliz sin pensar en nada mas, ni siquiera en los problemas propios (paro, crisis económica...). En la otra parte cuatro historias en clave femenina, cuatro monólogos, (basados en artículos periodísticos de Hernán Zin), que apenas dejan tiempo para respirar. Las historias las firman: José Manuel Mora, hablando del turismo sexual, Laila Ripoll, que nos cuenta la historia de una niña de doce años obligada a casarse con un hombre mayor, Borja Ortiz de Gondra, la de una mujer violada que le pide a su hija que la vengue matando a su padre y Yolanda Pallín que a través de las palabras de dos madres analiza los claroscuros de las adopciones internacionales. 

Sandra Ferrús, Ángela Cremonte, Marta Larralde y Carolina Lapausa

Ninguna de las historias es nueva, ni desconocida, pero no por ella es menos necesario pararse y escucharlas con atención. Los relatos son escalofriantes pero están narrados de una forma muy hermosa, sin violencia explicita, todo el horror nos llega a través de la palabra, de una narración poética, como si se tratara de un cuento, situado en un espacio indeterminado, en los labios de cuatro mujeres que nos regalan sus historias en una especie de danza, donde nos enfrentan a su dolor, mientras que van repitiendo frases a modo de mantras, "lo que fue, no volverá a ser; lo que no es, será", o "soñar es de pobres...", que hacen que su dolor te llegue al alma. 

Lidia Navarro, Josean Bengoetxea y Alfonso Torregrosa

Todo el elenco esta fantástico, aunque sin duda son mucho mas lucidos los papeles femeninos, impresionante Carolina Lapausa, con esa voz que te acerca toda la inocencia rota, cuando a los doce años descubre que su infancia solo tiene una trágica salida, Marta Larralde, con esa luminosa mirada llena de esperanzas que ves envejecer por momentos, cuando descubre que su prometedor porvenir es solo un engaño, Ángela Cremonte impresiona en ese difícil papel de víctima luchando por ser verdugo, Sandra Ferrús te desgarra cuando la ves contándole a su hijo como salir adelante en un mundo cruel cuando esta a punto de abandonarle, y por último Lidia Navarro, te parte el alma intentando explicar porque no puede querer a un hijo, que no es su hijo, a pesar de haberlo intentado con todas sus fuerzas. Josean Bengoetxea, (estupendo en el papel de amigo inseguro y poco integrado) y Alfonso Torregrosa, se desdoblan en varios personajes, si bien son personajes con menos profundidad que los femeninos. 

En definitiva una propuesta dura e intensa, pero a la vez hermosa, e imprescindible en estos tiempos donde muchas veces pasamos de puntillas por la realidad que nos rodea y donde es necesario pararse a reflexionar.

EL CRÉDITO

Luis Merlo y Carlos Hipólito

El crédito es una comedia de Jordi Galcerán que dirige Gerardo Vera y que protagonizan Carlos Hipólito y Luis Merlo. Se aborda un tema de gran actualidad, la historia arranca cuando un hombre acude a una sucursal bancaria a solicitar un pequeño crédito, el problema es que no dispone de avales que garanticen que revolverá el dinero, tan solo tiene su "palabra de honor". Ante esta situación este hombre desesperado, decide dar un ultimátum al director de la sucursal, que desencadenara una hilarante situación. 

La puesta en escena fantástica, perfectamente ambientado el despacho, el vestuario impecable, muy bien la música y muy apropiada la proyección que nos pone en antecedentes, mostrándonos a los personajes justo antes de conocerse. El texto es sorprendente y atrapa al espectador, y la dirección de Gerardo Vera consigue que el ritmo no decaiga en ningun momento.

Un momento de la obra

Para redondear el conjunto por supuesto los protagonistas, dos grandes actores, que están estupendos sacando su lado mas cómico, en este pulso que echan sobre el escenario, para deleite del publico. 

Ideal para pasar un rato divertido.

CONVERSACIONES CON MAMA

Se trata de una versión de Jordi Galcerán de la obra de Santiago Carlos Oves, donde asistimos al encuentro entre una madre anciana muy entusiasta y su hijo, que a lo largo de una conversación van repasando su pasado y su presente y destapando los secretos que ambos guardan. En clave de comedia, nos cuenta la historia de un hijo, con una vida muy convencional (casado, con dos hijos, un adosado, un coche y una suegra), que víctima de una crisis económica como la que estamos viviendo en la actualidad, ha perdido el trabajo, y visita a su madre para convencerla de que venda su casa y se mude a vivir con el y su familia para así, (con el dinero de la venta), poder capear la difícil situación económica por la que atraviesa. Pero a través de la charla con su madre descubre que hay muchas cosas de ella que el desconoce. 

El texto se mueve en el terreno de la comedia blanca, para mi excesivamente edulcorada, y siempre dentro de lo políticamente correcto, para buscar un producto claramente comercial que no disguste a nadie. 

La obra cuenta con una escenografía impecable y una cuidada iluminación, y sobre todo unos protagonistas impresionantes, sin duda lo mejor es poder disfrutar de dos actores fantásticos, Juan Echanove, que además se encarga de la dirección, y que saca petróleo de un texto sin demasiada profundidad, y María Galiana, grandísima actriz. 

Los dos protagonistas, que destilan una gran química, y que rezuman sensibilidad y naturalidad a partes iguales, consiguen sacar a flote un testo al que, por momentos, le falta un poco de chispa. 

Una obra para pasar el rato, sin mas, ojala algún día vuelvan a reunir sus talentos en un proyecto de mayor enjundia.

ROBERTO ZUCCO

Roberto Zucco es la ultima obra de Bernard-Marie Koltés, que muere de SIDA unos meses después de concluirla, en ella podemos ver todos los sentimientos a flor de piel de su autor, que nos narra una historia real basada en un asesino en serie que va dejando un reguero de muertos en su huida hacia delante, primero mata a sus padres, después se escapa de la cárcel, siempre dejando a su paso un rastro de dolor y violencia. En esta ocasión el montaje viene de la mano del teatre Romea, y esta dirigido por Julio Manrique, un director realmente fantástico, cuyos montajes siempre me emocionan. 

Con una original escenografía, a modo de colmena, o de terrario gigante donde podemos observar a sus moradores, familias desestructuradas, policías brutales, jóvenes prostitutas en un universo de violencia, traiciones y soledades que se hacen mas angustiosas en la estrechez de un mundo sin horizontes, y en medio de todo esto encontramos a Roberto Zucco, magistralmente interpretado por Pablo Derqui, que le imprime a su personaje infinitos matices, donde nos acerca a un personaje desequilibrado y agresivo pero a la vez tierno y seductor, con una mirada inquietante, pero siempre tan triste y con una sonrisa en muchos momentos inocente, al que no puedes dejar de observar por que llena el escenario, esta deslumbrante. 

Junto a el otros siete fantásticos actores que se desdoblan en diversos personanjes, fantástica Laia Marull en el personaje de la hermana, una mujer infeliz que solo a sido capaz de vivir a través de la vida de su hermana, Rosa Gámiz impresiona en su personaje de mujer secuestrada en el parque, María Rodríguez nos deleita en ese papel de joven sin nombre, ese pajarillo, seducido casi sin querer por Zucco, a la que todos quieren sobreproteger pero a la que ninguno ve realmente, esa joven a la que nadie logra salvar y que vemos descender a los infiernos, que rebosa inocencia y que nos emociona. Y en la parte masculina fantásticos también Xavier Boada, en todos los personajes que interpreta, maravilloso Oriol Guinart especialmente en el papel de prostituta, todo emoción y sentimientos, Andrés Herrera, especialmente en el papel de hermano mayor, esta impresionante, y Xavier Ricart que también borda todo su catalogo de personajes. 

Todo el conjunto esta perfectamente coreografiado para que la intensidad del montaje no baje en ningún momento, con una iluminación impecable, una música perfectamente encajada y que le sienta como un guante, y el toque original de los sobretítulos que anuncian las quince escenas, hacen que disfrutemos de un espectáculo redondo. 

Zucco  nos dice como escapar no sabemos muy bien si de la cárcel o de este estrecho mundo "No hay que tratar de atravesar los muros, porque detrás de los muros hay otros muros, y siempre esta la prisión. Hay que escapar por los tejados, hacia el sol. Jamas alzaran un muro entre el sol y la tierra", y Zucco finalmente desaparece precisamente huyendo hacia el sol, dejándose llevar, como no podía ser de otra forma "el sol asciende, tornándose cegador, como el resplandor de una bomba atómica, no se ve nada, Cae", en un final impactante. 

Una obra brutal, impresionante y sobrecogedora.

CAPITALISMO, hazles reír

Alba Sarraute, Irene Escolar, Luis Bermejo y Aitana Sánchez-Gijón

Capitalismo, hazles reír es una propuesta teatral de Juan Cavestany que sube al escenario el director Andrés Lima que, látigo en mano, además actúa de maestro de ceremonias. El montaje se asienta sobre el trabajo del Taller de Investigación Teatral Contemporánea, que tiene un poco de todo (música, baile, acrobacias, lanzadores de cuchillos....) y un cierto sabor agridulce, es en definitiva y como dice su director "un espectáculo absurdo que habla del mundo absurdo en el que vivimos". 

Sobre el escenario 19 artistas, (cosa bastante rara de ver en estos tiempos de crisis que vivimos), que nos acercan a la historia de Luis y su país, Luis esta fatal y su país ya no digamos. Por que capitalismo nos habla del miedo a no tener trabajo, de los recortes económicos en los servicios esenciales, de la manipulación de nuestros políticos y de los medios de comunicación, del estado de alienación en el que vivimos, de las relaciones familiares y de las torturas a las que nos somete una sociedad capitalista que nos esta destruyendo poco a poco. 

Nathalie Poza y Edu Soto

La obra destila humor negro y mucha ironía, y por supuesto mucho talento. Los actores son estupendos, y están impresionantes: Nathalie Poza (que gran actriz) en el papel de presidenta de la nación, regalándonos unos preciosos discursos donde sin decir nada concreto consigue enmarañarlo todo y crear suficiente pánico para seguir gobernando, fantástica. Luis Bermejo, impecable como siempre, y como siempre consigue que sientas todo lo que viven sus personajes, es un actor impresionante. Irene Escolar, maravillosa como la niña china adoptada por Luis, desbordante Edu Soto como Michael Jackson, (aunque esta impecable en los distintos papeles en los que se desdobla durante toda la obra), muy bien también Aitana Sánchez-Gijón (que bien sufre), Rulo Pardo (gran medico), fantástica Silvia Marso en el papel de Silvia Bombón (tan alegre y a la vez dejando entrever tanta tristeza), y muy tierna Alba Sarraute en ese papel de hija rebelde e incomprendida. 

Le pongo dos pequeñas pegas, la primera es que la pantalla pequeña impedía en algunos momentos ver lo que sucedía en escena, y la segunda, el día que asistí no había programas de mano, con lo cual faltara en mi colección de mas de 900 que he ido acumulando a lo largo de estos años asistiendo al teatro. 

Elenco Completo

Para terminar solo añadiré unas palabras de Andrés Lima que comparto "la misión del teatro es hacer preguntas y evocar emociones, no dar respuestas. Mi postura personal es disfrutar del espectáculo. Mi postura como publico es comprometerme, aunque eso depende de cada uno. Eso se da al votar en las elecciones. Por mi parte deseo que la izquierda se una de una vez, pues el cataclismo puede ser cierto, aunque creo que no lo será. No podemos vivir con la amenaza, que se traduce en una visión de miedo en el cuerpo". 

Grande siempre el teatro que plantea preguntas para que al salir intentemos buscar las respuestas.

SUGIMOTO BUNRAKU: SONEZAKI SHINJU 
(LOS AMANTES SUICIDAS DE SONEZAKI)

"Los amantes suicidas de Sonezaki" es una obra escrita a principios del siglo XVIII y esta considerada como la mas popular de sus "tragedias domésticas" o "dramas domésticos". Basada en un hecho real, cuenta la historia del suicidio de dos jóvenes de distinta clase social. 

Es un drama de tres escenas representado en un día y una noche. Los dos personajes principales son un joven huérfano mercante llamado Tokubei y la prostituta a quien ama y que le corresponde, Ohatsu, que trabaja en una casa de té. Se trata de una obra Bunraku, es decir teatro de marionetas, un mundo con una estética exquisita, donde las historias se cuentan no solo con palabras, donde hay todo un lenguaje escénico que nos transmite toda la emoción de la narración con una delicadeza impresionante, acercándonos a otra cultura y a otra forma de escenificar sentimientos y situaciones que son universales. 

El espectáculo cuenta con la intervención de mas de 25 artistas entre los que hay 4 recitadores, 5 interpretes de shamisen, otros dos músicos que completan la orquesta y 15 marionetistas. La puesta en escena mezcla el mas estricto valor tradicional de las marionetas Banruku con las proyecciones de Tabaimo, una de las artistas visuales mas vanguardistas del momento. 

En conjunto una obra delicada que consigue emocionarnos aunque no entendamos el idioma y la estética no sea la que estamos acostumbrados a ver en nuestros escenario, una buena oportunidad para disfrutar de una cultura muy diferente de la nuestra en cuanto a la estética y a la forma de narrar, pero que es muy próxima en cuanto a los sentimientos que les mueven, porque en definitiva el Amor es igual en todas partes.